ルノワール『舟遊びの昼食』

ブラック『円いテーブル』
ミロ『赤い太陽』
ピカソ『青い部屋』
マネ『スペイン舞踊』
オランジュリー美術館
シカゴ美術館
パリ国立近代美術館
フィリップス・コレクション(答)
42%

ローランサン『雌鹿』
ピカソ『大きな浴女』
モディリアニ『赤毛の娘』
モネ『睡蓮』
オランジュリー美術館(答)

ゴッホの『星月夜』
マティスの『ダンス』
ダリの『記憶の固執』
ルソーの『眠るジプシー』
ニューヨーク近代美術館(答)

デ・キリコ『赤い塔』
ピカソ『黄色い髪の女』
カンディンスキー『多様な動き』
マティス『イタリア女』
グッゲンハイム美術館(答)

ピカソ『扇を持つ女』
ルノワール『鞭を持つ子供』
カラヴァッジョ『リュート奏者』
マティス『赤の食卓』
エルミタージュ美術館(答)

黄金の馬車
エカテリーナ2世の所蔵品
フランス語で「隠れ家」の意
サンクトペテルブルクの美術館
エルミタージュ美術館(答)

所在地はニューヨーク5番街
ロックフェラーやモルガンが寄贈
大貫妙子のヒット曲
エル・グレコ『トレド風景』
メトロポリタン美術館(答)

スーラ『サーカスの客寄せ』
フェルメール『少女の頭部』 
エル・グレコ『トレド風景』
ゴッホ『糸杉』
メトロポリタン美術館(答)

所在地はニューヨーク5番街
アメリカの鉱山王のコレクション
かたつむりのような外観
フランク・ロイド・ライトが設計
グッゲンハイム美術館(答)

ボス『快楽の園』
ベラスケス『ブレダの開城』
ゴヤ『着衣のマハ』『裸のマハ』
スペイン・マドリードの美術館
プラド美術館(答)

ミロのビーナス
サモトラケのニケ
ダ・ヴィンチ『モナリザ』
フランス・パリの美術館
ルーブル美術館(答)

フィリップス・コレクション (The Phillips Collection) は、ワシントンD.C.にある美術館である。

コレクション[編集]
ルノワールの『舟遊びの昼食』、フィンセント・ファン・ゴッホの『アルルの公園の入口』、ポール・セザンヌの『ザクロと洋梨のあるショウガ壺』といったヨーロッパ絵画だけでなく、ジョン・マリンやエドワード・ホッパー、スチュアート・デイヴィス、モーリス・プレンダーガスト、ジョージア・オキーフ、ジョン・スローン、グランマ・モーゼス、サム・フランシスなどの20世紀アメリカ絵画のコレクションでも知られている。
引用元:フィリップス・コレクション – Wikipedia https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%95%E3%82%A3%E3%83%AA%E3%83%83%E3%83%97%E3%82%B9%E3%83%BB%E3%82%B3%E3%83%AC%E3%82%AF%E3%82%B7%E3%83%A7%E3%83%B3

ジョルジュ・ブラック(Georges Braque, 1882年5月13日 – 1963年8月31日)は、フランスの画家。パブロ・ピカソと共にキュビスムの創始者のひとり。ピカソよりも画家としてのキャリアでは劣ったが、絵画における発明の才はピカソも一目を置いた。第一次世界大戦を挟んで画風は一変するが、生涯に渡って絵を書き続けた画家である。仲間から「白い黒人」と描写されるほど体格が良く、また好んでスーツを着るハンサムであった。
引用元:ジョルジュ・ブラック – Wikipedia https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%B8%E3%83%A7%E3%83%AB%E3%82%B8%E3%83%A5%E3%83%BB%E3%83%96%E3%83%A9%E3%83%83%E3%82%AF

HISTORY AND CONTEXT
CompositionallyThe Round Table is related to Braque’s large vertical still lifes from 1918 to 1919, when the common French pedestal table known as the guéridon first appeared in his paintings. With this work, Braque substantially expanded his color range, increased the scale of his canvases, experimented with textures and materials, and devised a more complex use of pictorial space. Pushing the table into the corner of the room, he creates an unusual perspective that presents multiple viewpoints at the same time. The result is a grand, luminous canvas in which oil has been mixed with sand over gesso to create a textured, fresco-like effect.

At the time of its purchase,The Round Table was the largest, most abstract painting in the museum’s collection. Phillips considered it to be “one of [Braque’s] greatest and most exciting works—a consummation of the artist’s best powers . . . all that was hoped for in the founding a school on Cézanne’s cubes and cones. . . . The rest is architecture. . . . It is functional and majestic in its forms and in its chromatic range it is exultant.” Soon after, Phillips began installing works by Braque in groups or units in the museum’s galleries.
引用元:The Round Table by Georges Braque https://www.phillipscollection.org/collection/browse-the-collection?id=0217

ジョアン・ミロ(カタルーニャ語: Joan Miró i Ferrà [ʒuˈan miˈɾo i fəˈra]、ジュアン・ミロー・イ・ファラー, 1893年4月20日 – 1983年12月25日)は、20世紀のスペインの画家。カタルーニャ地方の出身。かつてスペインではカスティーリャ語以外の言語は公的には禁止されていたので(フランコ体制下)、カスティーリャ語式の読みでホアン・ミロと書かれることもしばしばある[注 1]。現在ではカタルーニャ語の原音を尊重して「ジョアン・ミロ」または「ジュアン・ミロ」と表記するのが通例である。

ミロはパリでシュルレアリスムの運動に参加したことから、シュルレアリストに分類されるのが通例だが、ミロの描く人物、鳥などを激しくデフォルメした有機的な形態、原色を基調にした激しい色使い、あふれる生命感などは、古典的・写実的描法を用いることが多い他のシュルレアリストの作風とは全く異なり、20世紀美術に独自の地位を築いている。
引用元:ジョアン・ミロ – Wikipedia https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%B8%E3%83%A7%E3%82%A2%E3%83%B3%E3%83%BB%E3%83%9F%E3%83%AD

HISTORY AND CONTEXT
The art and culture of Joan Miró’s native Catalonia were powerful forces in his painting and are reflected in both the playful effervescence and the dramatic intensity of his radical forms. Added to this inspiration were the influences he was exposed to in Paris: the poetry of the Parisian symbolists and surrealists, and the example of Paul Klee and the structural discipline of the cubists. This confluence nurtured a singular style at once earthy and spiritual, sensual and ethereal, but universal in expression. For Miró, this aspect was all important; he felt that painting ought “to rediscover the sources of human feeling.”
引用元:The Red Sun by Joan Miró https://www.phillipscollection.org/collection/browse-the-collection?id=1365

パブロ・ピカソ[3](Pablo Picasso [ˈpaβlo piˈkaso], 1881年10月25日 – 1973年4月8日)は、スペインのマラガに生まれ、フランスで制作活動をした画家、素描家、彫刻家。

ジョルジュ・ブラックとともに、キュビスムの創始者として知られる。生涯におよそ1万3500点の油絵と素描、10万点の版画、3万4000点の挿絵、300点の彫刻と陶器を制作し、最も多作な美術家であると『ギネスブック』に記されている。
引用元:パブロ・ピカソ – Wikipedia https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%91%E3%83%96%E3%83%AD%E3%83%BB%E3%83%94%E3%82%AB%E3%82%BD

HISTORY AND CONTEXT
After training in Barcelona and Madrid, Pablo Picasso worked in Paris in late 1900, where he attended the World Exhibition and was inspired by Impressionist and Post-Impressionist art. During another Paris stay in 1901, Picasso captured the nighttime pleasures of Montmartre in paintings that were shown in his first solo exhibition at Vollard Gallery. The Blue Room was painted shortly thereafter. It is considered one of the earliest examples from Picasso’s Blue Period (1901–04), during which he concentrated on the pathos of the human figure in compositions colored by shades of blue. The work of Degas and Henri de Toulouse-Lautrec exerted a strong influence on this picture. Picasso’s studio on the boulevard de Clichy provided the setting for this scene of a nude bending over in the tub. Toulouse-Lautrec’s poster May Milton (1895) hangs on the wall as an homage; the artist had passed away in September 1901, shortly before Picasso created this work. Recent infrared reflectography indicates that this work was painted on top of an earlier portrait of a man. Reusing canvases was a common practice for Picasso at the time, since he was quite poor.

The Blue Room was the first work by Picasso to enter the collection. Duncan Phillips preferred Picasso’s early work because of its color and emotional resonance and expressed regret that Picasso did not paint for a longer period in this rich style.
引用元:The Blue Room by Pablo Picasso https://www.phillipscollection.org/collection/browse-the-collection?id=1554

エドゥアール・マネ(Édouard Manet, 1832年1月23日 – 1883年4月30日)は、19世紀のフランスの画家。近代化するパリの情景や人物を、伝統的な絵画の約束事にとらわれずに描き出し、絵画の革新の担い手となった。特に1860年代に発表した代表作『草上の昼食』と『オランピア』は、絵画界にスキャンダルを巻き起こした。印象派の画家にも影響を与えたことから、印象派の指導者あるいは先駆者として位置付けられる。
引用元:エドゥアール・マネ – Wikipedia https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%82%A8%E3%83%89%E3%82%A5%E3%82%A2%E3%83%BC%E3%83%AB%E3%83%BB%E3%83%9E%E3%83%8D

HISTORY AND CONTEXT
The Spanish Ballet reflects the fascination with Spanish art and culture manifest in Edouard Manet’s work in the late 1850s and throughout the 1860s. His exploration of these romantic stereotypes reflected the exotic allure of things Spanish that had been popular in France as far back as the 1830s. In 1862 Manet fell under the spell of a troupe of Spanish dancers from the Royal Theater of Madrid, headed by the veteran and principal dancer Don Mariano Camprubi, who had first excited Paris audiences in 1834 dancing the bolero. Camprubi’s company had a successful season at the Paris Hippodrome from August to November 1862, sharing the bill with a group of equestrians. During that period Manet arranged for several of the principal dancers in the troupe to pose for him at the studio of his friend Alfred Stevens. A number of paintings of Spanish themes and entertainers stem from tis arrangement , including this painting which shows the principal dancers of the Royal Theater of Madrid on stage, as if in a performance.
引用元:Spanish Ballet by Edouard Manet https://www.phillipscollection.org/collection/browse-the-collection?id=1250